Quando pensiamo al fermento artistico che ha animato Roma tra gli anni ’60 e ’80, il nome di Tano Festa emerge come uno dei più audaci e visionari. Le sue opere iconiche riescono ancora oggi a sorprendere per la loro forza espressiva e la profondità concettuale. In questo viaggio ripercorriamo insieme le tappe fondamentali della vita e della produzione artistica di Festa, scoprendo come la sua vicenda personale abbia influenzato il suo stile e perché il suo nome continua a risuonare nel panorama dell’arte contemporanea italiana e internazionale.
Origini e Formazione di Tano Festa
Tano Festa nasce a Roma il 2 novembre 1938, in una famiglia profondamente legata al mondo dell’arte. Suo fratello, Francesco Lo Savio, sarà anch’egli un innovatore, sebbene tragicamente scomparso prematuramente. La madre, Anita Vezzani, porta con sé le radici emiliane di Boschi di Baricella, un dettaglio che forse ha contribuito al carattere schietto e diretto dell’artista.
Gli anni della formazione sono centrali per comprendere il suo percorso. Frequenta l’Istituto d’Arte a Roma, dove si diploma in Fotografia: un dettaglio che non è solo una nota biografica, ma che lascia una traccia tangibile nei suoi lavori futuri, soprattutto laddove l’arte si fonde con la sperimentazione fotografica. Gli studi di filosofia completano il quadro: qui si gettano le basi della profondità concettuale che renderà uniche le sue opere.
Carriera Artistica e Sviluppo Stilistico
L’esordio artistico di Tano Festa è segnato da una precoce voglia di sperimentare. Nel 1959 prende parte a una collettiva insieme a nomi come Franco Angeli e Giuseppe Uncini presso la Galleria La Salita di Roma. Solo due anni più tardi espone la sua prima personale, sempre alla Salita, mostrando un coraggio e una maturità già evidenti.
Le prime opere sono caratterizzate da geometrie monocrome, spesso ottenute tramite carta applicata su tela. Siamo di fronte a un artista che ancora cerca la propria lingua, ma lo fa con uno sguardo costantemente rivolto alla cronaca e all’ambiente in cui vive.
Il 1962 è un anno spartiacque: Festa viaggia negli Stati Uniti con Mario Schifano e partecipa alla celebre mostra “New Realists” alla Sidney Janis Gallery di New York. Qui presenta “Persiana”, una delle sue prime opere a segnare il passaggio dagli oggetti comuni alla loro trasfigurazione artistica. Proprio in questo periodo compaiono l’Obelisco e la Lapide, elementi iconici che cominceranno a popolare i suoi lavori.
Un evento tragico segna un’altra, decisiva, trasformazione: nel 1963 il fratello Francesco si toglie la vita a Marsiglia. Da questo momento la produzione di Festa si tinge di una vena metafisica e malinconica, emergendo con ancora maggior forza all’interno della cosiddetta Scuola di Piazza del Popolo, accanto a Mario Schifano e Jannis Kounellis.
Opere Iconiche di Tano Festa
Il fascino di Tano Festa risiede anche nella capacità di reinventare oggetti comuni, restituendoli al pubblico sotto una luce completamente nuova. Persiane, porte, finestre e armadi che potevano passare inosservati nella vita quotidiana diventano, nella sua poetica, veri strumenti di riflessione sulla percezione e sul valore dell’oggetto.
Le sue opere più celebri, come la serie delle “Finestre” o delle “Porte,” ci fanno riflettere sulla presenza e sull’assenza, su ciò che sta dentro e ciò che resta fuori. Questi oggetti vengono progettati interamente da Festa, ma realizzati da esperti falegnami: priva di cerniere, maniglie e serrature, la porta o la persiana smettono di essere strumenti di passaggio: diventano icone, superfici da contemplare.
Negli anni ’70 la svolta: Festa si concentra su grandi pannelli nei quali inserisce, tramite tecniche fotografiche, dettagli e frammenti degli affreschi della Cappella Sistina. Un’operazione potente, che mette in dialogo il sacro e il quotidiano e che ci fa riscoprire i grandi maestri rinascimentali con uno sguardo tutto contemporaneo.
Temi e Tecniche nelle Opere di Tano Festa
Una delle caratteristiche più evidenti e rivoluzionarie di Tano Festa è il modo in cui reinterpreta la materia e i segni, elevando la banalità dell’oggetto a simbolo universale. Le sue opere sono spesso caratterizzate da toni accesi: il rosso, in particolare, è quasi una firma riconoscibile, vibrante e carico di energia, simile al colore del sangue.
Festa gioca ambiziosamente con il concetto di perdita della funzione. Quei “mobili” che privati di ogni meccanismo non possono più essere utilizzati: sono solo per essere guardati, ammirati, forse anche interrogati. In questo modo l’artista ci invita ad andare oltre la superficie delle cose, a coglierne la spiritualità nascosta.
Non mancano neppure inserimenti di scritte dentro il telaio delle sue opere, elemento apparso dal 1963 in poi come un ulteriore spostamento verso l’introspezione, l’ironia o la denuncia.
Negli anni ’70, l’uso di tecniche fotografiche per isolare dettagli degli affreschi della Cappella Sistina segna un dialogo tra passato e presente artisticamente e visivamente sorprendente. Festa ci mostra come l’arte possa essere sempre attuale, risignificata ogni volta dal contesto e dallo sguardo di chi osserva.
L’Eredità di Tano Festa: Mostre e Riconoscimenti Postumi
Tano Festa ci ha lasciati prematuramente nel 1988, ma la sua eredità è tutt’altro che dimenticata. Nel corso degli anni, sono state molte le mostre dedicate alla sua figura, sia in Italia sia all’estero, a dimostrazione di come il suo linguaggio universale abbia saputo parlare a generazioni di artisti e appassionati.
Dalla rassegna antologica al Palazzo delle Esposizioni di Roma alle esposizioni presso musei e gallerie private, la riscoperta di Festa è costante e sempre stimolante. Le sue opere sono oggi presenti nelle maggiori collezioni italiane di arte contemporanea e vengono battute regolarmente nelle aste internazionali, testimoniando un interesse che cresce di anno in anno.
Molti studiosi e critici contemporanei riconoscono in Tano Festa uno dei principali innovatori della nostra scuola artistica, al pari dei più noti componenti della Pop Art americana. Il suo segno, la sua poetica, la sua capacità di fondere intimità e ironia sono diventati un modello da cui non si può prescindere studiando l’arte italiana del secondo Novecento.
Conclusione
Riflettere su Tano Festa significa confrontarsi con un artista capace di rivoluzionare concetti e forme, restando sempre fedele a una personale e vibrante sensibilità.
Abbiamo viaggiato tra le origini, gli incontri che ne hanno plasmato il percorso, e le trasformazioni stilistiche che ancora oggi ci parlano. Le sue opere ci spronano a vedere con occhi nuovi anche gli oggetti più comuni, mentre la sua eredità – oggi più sentita che mai – ci ricorda che la vera arte sa essere insieme provocazione, poesia e continua reinvenzione.
Tano Festa rimane una voce inconfondibile, capace di illuminare con la sua singolarità ogni stagione dell’arte contemporanea.